Proceso de doblaje

Prrrrrrrrrrr Yyyyyyyyyyyyyyyyyyyyyyyyyy aquí llego lo prometido jeje  llego la hora de hablar un poquito del doblaje de nuestro anime favorito

Si bien es cierto que ha habido ciertos errores, y censuras, y demás situaciones alrededor del anime en general en el resto del mundo, lo cierto es... que sin ese proceso de doblaje no conoceríamos si quiera hoy día ese mundo, no habría un mercado ni un consumidor externo, no habría si quiera fans de la animación japonesa (por que sí, les recuerdo el anime se empezó a consumir desde mucho antes que existiera internet) , así que con todo, es un gran logro y una maravilla, el poder escuchar Sailor Moon en muchos idiomas, yo siempre lo he dicho, no hay que despreciar el trabajo, y mientras más se consuma mejor, y es mucho mejor y más gratificante ver las dos versiones, la original japonesa, y la versión de doblaje que más te agrade, así que sin más... comencemos el tema.

Si no has pasado por el tema del proceso de animación y censura, te recomiendo que le des clic a estos links, ya que el doblaje es el proceso final del final, y para que puedan integrar la idea, es mejor comenzar por el principio.

Una vez que termina el proceso de animación por parte de la casa de producción, lo siguiente es... lanzarlo al resto del mundo, para ello, se necesita de alguien que muestre interés en el proyecto, y un intermediario que sirva de embajador tanto en el país de origen como para el paìs objetivo, y aqui es en donde hay una basta red de mandos para que finalmente llegue a emitirse en televisión abierta de tu país.

El anime es una industria (desgraciadamente) y tiene que mantener el negocio en marcha, así que siempre están en búsqueda de nuevos contenidos. De los mil animes que sacan en un mes, se apuesta a que  10 tengan éxito en Japón (aunque no siempre es así) y de esos 10, 3 sean los que le interesen a un publico ajeno al país de origen, por lo tanto existen comités de producción que asocian a los editores de revistas, casas animadoras y televisoras que revisan el feedback que reciben de los lectores, para así decidir cuales de los títulos que se publican van a ser animados, las simpatías y animadversiones personales tienen mucho peso en el proceso, si algún mangaka tiene fama de problemático, simplemente no se van a acercar a su trabajo (el caso de Yukito Kishiro, dibujante de Battle Angel Alita es un ejemplo de esto). Ademas, el prestigio de cada mangaka definen que tanta influencia tienen en la producción, para dar un ejemplo, Rumiko Takahashi determino que no importa que tan corta fuera la falda del uniforme de Kagome en Inuyasha, no habría fanservice en la serie animada.

Por otro lado, en aquellas épocas de los 90`s e incluso mas atrás, no había mucho fan de la animación oriental, el trabajo era principalmente de aquellas casas de animación que viajaban a Japón y veían algo que les era de interes (Como el caso mencionado de los Power Ranger) y hacer una adaptación al publico occidental, (Auspiciada principalmente por estados Unidos, todo pasaba primero por ahí) y son esas decisiones las que determinaron el rumbo de la historia del anime, y su doblaje en distintos idiomas.

Al ser una industria muchas veces se pierde el sentido principal del anime, es una obra de arte, por supuesto, ya lo vimos en  el proceso todo lo que conlleva para generarla, pero la gran mancha que tiene, y que hace parecer que solo es una obra de consumismo, es precisamente, el marketing,  que se mueve de acuerdo al consumidor (nosotros, así es a veces nuestra desesperación trae consecuencias muy serias, como el caso de Sailor Moon Crystal)

Un productor para crear oportunidades de marketing, pueden ser innumerables. La gran mayoría del anime no es una historia original, me refiero a que se basa en otra forma de arte: manga, juegos de PC o novelas ligeras. Con un anime en la televisión, incluso en un horario nocturno, el aumento del rating realmente puede dar un impulso a las ventas de esas obras originales, lo vemos ahora en América latina, muchos vimos anime en los 90`s, Sailor Moon obviamente, y es hasta ahora que traen los mangas, las obras originales, al ver la serie en los 90`s y enterarse de que hay mangas, ¿Cuantos de ustedes no compraron o planean comprar el manga?  y aún no hablo de las figuras y demás accesorios alusivos a la serie.

En otros casos, una compañía de medios se propondrá crear un nuevo trabajo original que potencialmente pueda generar dinero de varias maneras: se puede usar un programa popular para vender juguetes y maquetas, o tal vez la compañía realmente esté tratando de vender una tarjeta o juego (como con Yu-Gi-Oh! ). Más a menudo, su objetivo es simplemente vender tantos DVD como sea posible.

Y otras veces más, las agencias de publicidad pueden decidir producir un anime desde cero, sin nada por detrás del mismo. Su objetivo es utilizar un programa como un comercial para su cliente, por lo que es posible que vea un programa dirigido a niños que se detienen por unos minutos cada semana para mostrar un producto, desde juguetes hasta pizzas. Incluso ha habido algunos casos de grupos religiosos que financian el anime para promover su fe. (Oh si, Japón no domina el mundo porque no puede jaja )

La producción de anime es una propuesta extremadamente laboriosa que emplea los servicios de hasta 2,000 personas por episodio en todo el mundo. Para abaratar los costos, muchas veces se anima en otros países como China o Corea.

Antes de la crisis de los 90 en Japón, realmente tenían una buena estabilidad económica, en los años 80, una empresa simplemente decidía hacer un OVA de una o dos partes . Tirarían unos pocos cientos de miles de dólares a una compañía de producción de animación, y la compañía de producción produciría al azar un OVA . Lo lanzaron en video, unos pocos miles de tiendas de alquiler en todo Japón compraron copias y el programa se convertiría en una buena ganancia. O si una serie más larga pareciera posible, las redes de televisión pagarían la mayor parte del costo y apoyarían el programa con comerciales. Pero actualmente eso es imposible, la crisis de la animación es bastante dura, que prefieren cantidad por encima de calidad, con la esperanza de que unos cuantos lleguen a ser un éxito (Una formula que en lo que respecta no creo que sea la mas adecuada), pero bueno ya pasado la gran travesía en el proceso de animación, sigue otorgarle los derechos al mundo, y aquí se crea el comité de producción.

No todos los miembros del Comité tienen la misma opinión en todos los asuntos, y la mayoría de ellos no querrían que se les supervise todo de todos modos, como lo mencionamos anteriormente, hay concesiones para publicar el manga, transmitir el anime, producir juguetes, realizar conciertos, quien pasa las películas, etc. y a un fabricante de juguetes no le importaría quién obtenga los derechos de publicación en Estados Unidos, por ejemplo. Sin embargo, ante la ley japonesa solo uno tiene la ultima palabra, el gensakusha o creador original de la obra con la que se basó el anime, sip, el mangaka.

Esto ayuda muchísimo, porque en la mayoría de los casos, evita grandes desgracias y tragedias en el arte de la animación, al querer sobre escribir la historia, pero también hay que admitir, que un mangaka es una persona que tiende a pasar la mayor parte del tiempo en sus mesas de dibujo, para su siguiente inspiración, o en su arte, como luego lo mencionan entre sus paginas, y no todos son tan hábiles en los negocios. Entonces, en lugar de distraerlos de su trabajo, su editor, actuará como su agente. Esa compañía tendrá un personal dedicado a asegurarse de que todo sea del agrado del artista.

Cómo todo en la vida, algunos editores son más fáciles de tratar que otras. Como se podría imaginar, tener el poder de aprobar, literalmente, todo lo relacionado con un programa puede generar su cuota de personas difíciles.  Algunos tienen pedidos extraños de la propiedad, que van desde los bastante razonables ( Shuiesha insiste en que ninguna de las puntas de los pelos de Naruto se recorten   ), hasta las frustrantes (como insistir en una traducción terrible o totalmente incorrecta, como en el caso de Sailor Moon en Estados Unidos ), hasta las más banales (el artista del manga debe ser invitado a los Oscar si esto consigue un lanzamiento en Estados Unidos).

No hay manera de saber qué demandas son realmente las del creador, y cuáles son simplemente las demandas de un asalariado obstinado que intenta ejercer control sobre el proceso. Y en última instancia, no importa cuál sea: el artista ha asignado legalmente sus derechos a esta compañía, para bien o para mal, y cualquier disputa entre los dos se realiza a puertas cerradas. Este sistema tampoco garantiza que el artista esté satisfecho con el resultado final. Si el director de un programa va en una dirección que no le gusta al artista de manga, realmente tienen opciones limitadas para hacer algo al respecto. Los contratos están firmados y es demasiado tarde para retirarse del proyecto (Cómo en el caso del cabello de Serena, Naoko lo quería plateado, pero le insistieron rubio,  en la transformación sugirió que le cambiaran a plateado, pero siguieron insistiendo en el rubio, al final le agrado el resultado, pero no siempre es así) (Otro ejemplo es con CLAMP, en el final de Tsubasa fue abierto por un fuerte pleito con la casa de animación, al desviar demasiado la historia, al no ponerse ninguna de las dos partes de acuerdo, simplemente CLAMP le retiro todo derecho del proyecto, pero la casa de animación se quedo con los derechos de lo que ellos animaron de acuerdo al contrato, al final se termino de forma abrupta en el capítulo 52 con un final muy abierto, y 3 OVAS que si no leíste el manga, no sabes ni de que pantuflas va eso, o porque terminaron así )

También surgen otros problemas. Los comités de producción a menudo pueden volverse disfuncionales, por lo que incluso pequeñas decisiones pueden resultar en interminables retrasos políticos y problemas. (Cómo el caso de Sailor Moon en Corea y su sentimiento antinipon) Las decisiones financieras importantes, las ideas fuera de lo normal (Cómo el caso de Sailor Moon Crystal, se tuvo que cambiar la dirección del anime tres veces, en las tres temporadas, tres estilos diferentes, y el público seguía quejándose, cada nueva dirección significaba más dinero, más recursos y volverlo a hacer todo de nuevo, es como si se hubiera producido tres animes nuevo de uno mismo, mucho dinero perdido y solo por querer complacer a todo el mundo ) y la política pueden paralizar por completo a un comité de producción, impidiendo que se produzcan acuerdos comerciales y esencialmente disparar a toda la producción en el pie.

Pero si todo va bien y todos permanecen felices, se puede alcanzar un consenso y las cosas pueden avanzar. Eventualmente, el comité reserva algunos horarios de transmisión de televisión a altas horas de la noche en varios mercados (algo así como un Info-mercial), contrata a un equipo de animación (el "Productor de animación"), y el espectáculo comienza a realizarse.

Una vez que las cosas se ponen en marcha, el productor tiene dos responsabilidades básicas: asegurarse de que el programa esté bien y recuperar todos los millones de dólares que el Comité de Producción gastó en primer lugar.

Ningún productor sueña con hacer un trabajo terrible, y sin embargo, suceden todo el tiempo. En estos días, la mayoría de los productores son más bien prácticos cuando se trata de las decisiones creativas detrás de un programa, como dije hoy en día se prefiere cantidad que calidad, y las horas de trabajo que les pagan a los creativos, tampoco es de mucha ayuda.

En el lado positivo, el espectáculo puede tomar direcciones salvajes y creativas que lo mejoran. (Cambios en la historia, dimensiones paralelas, mas de donde explimir, si me refiero a Dragon Ball, es un ejemplo que a pesar de ser terrible calidad de la versión Súper, los consumidores con todo, y terminaron de ver la trama y pidieron mas) (Boruto, es otro ejemplo, se están cambiando muchas cosas en la trama, y pese a la posibilidad de que maten a todos los involucrados en Naturo, hasta el mismo Naruto, sigue teniendo éxito).Sin embargo, en el lado negativo, un director a menudo puede seguir un instinto que los lleva a inyectar material totalmente inapropiado en un programa (American Sailor Moon) o atascarse con tomas que no se ajustan a la narrativa (Sailor Moon versión Estados Unidos)

A veces, los retrasos de producción se vuelven tan malos que el productor no tiene más remedio que permitir que se inserte un episodio de resumen editado apresuradamente, comprando al equipo una semana más. (Los episodios de recapitulación rara vez son planeados, y generalmente indican un caos detrás de escena).

Hacer un buen espectáculo que atraiga a mucha gente, y un marketing que se muestre bien, es prácticamente la única forma en que la mayoría del anime puede esperar recuperar su costo de producción. Los fanáticos tienen que disfrutar el espectáculo lo suficiente para soportarlo, ya sea con la compra de DVD o comprando mercadería. Una vez lanzado y "en la naturaleza", el productor realmente solo puede sentarse y esperar para ver cómo son las calificaciones, cómo son los comentarios y, finalmente, cómo son los números de ventas. Y si, el doblaje al idioma del país a producir, también tiene mucho que ver.

Doblar... también es un arte.

"El doblaje es un mal necesario. Aunque mucha gente cree que nosotros los actores y las compañías somos los malos de la película por supuestamente violar los derechos de propiedad intelectual, no es así. Son las grandes productoras que quieren con toda razón que su producto se venda y vea en todo el mundo. Ellos piden que se transforme la pista de audio original al idioma que sea necesario para que su producto sea recuperable económicamente. "
                                                                                                                                                                 

El doblaje es pura artesanía. Un doblaje bien hecho es casi una obra de arte. Debe tener varios puntos a considerar, el país a donde a donde se va a transmitir, cultura del país emisor, adaptación de la cultura del país emisor a la cultura del país receptor (Que se pueda entender lo mejor posible las costumbres de Japón los mexicanos por ejemplo), El humor del país emisor, y del país receptor (Los chistes, bromas, humor negro, sarcasmo, no es igual en Japón que en México, ni en Estados Unidos, España o Francia, cada uno tiene su propia dosis de humor propia del país, mucho del humor japones nosotros no lo entendemos, y la empresa de doblaje tiene que buscar la manera de que no se pierda esa gracia, adaptándola al país que se va a emitir, muchas veces se pierden sentido a ciertos chistes que son propios de los japoneses, pero de igual manera se gana una joya en el doblaje cuando se le da la dosis adecuada de humor a la mexicana y que vaya acorde a la situación que se presenta originalmente) el estilo de vida del país emisor, al receptor, son algunos ejemplos, con los que se tiene que lidiar.

Por  otra parte el doblador se enfrenta a problemas propios del personaje y de la casa productora que lo va a doblar.

- Debe de haber una interpretación correcta. Aunque el espectador reconozca las voces al iniciarse la proyección, tiene que haberse olvidado, a los dos minutos, de que las voces de los personajes son prestadas. De lo contrario, el doblaje empieza a fallar.

-El diálogo de los personajes tiene que ser como el de la vida real, rico, pobre, culto, vulgar, según el personaje. El guión original marca la pauta. Cada personaje debe expresarse como le corresponda por su idiosincrasia (sexo, edad, cultura, condición social, profesión, etc.) La película no puede estar doblada con sólo doscientas palabras ni todos los personajes pueden emplear las mismas expresiones y vocablos.

Gerardo Reyero:

-El diálogo debe ser completamente neutro, aunque hay casos (como el  mencionado humor, que se requiere de regionalismos para que se pueda disfrutar del chiste sin que se pierda en su totalidad la esencia original). Un ejemplo el doblaje para referirse a Serena como cabeza de chorlito o cabeza de bombon en vez de odango, ya que al ser transmitida a un publico general, y para atraer la atencion de aquellos que no son fan del anime, utilizaron palabras que reconozcan, quien iba a saber que un dango o dumpling es el bollo que tiene la misma forma que los "chonguitos" en el cabello de Serena.  

Originalmente, dango es tradicional de Japón el nombre de lo que usualmente se conoce como dumpling o bollo en occidente. Curiosamente, en el caso de EE.UU,dado que los dumplings no son muy populares y difundidos en ese país, el doblaje para esa región cambió este término por "cabeza de albóndigas"(mayormente usado solo en los diálogos de Mamoru/Darien molestando a Usagi/Serena).

En México en cambio, se utilizo una traducción como cabeza de bombón, y para el caso en el que Darien molestaba a Serena, se usaba la expresión "Cabeza de chorlito" un dicho muy popular por aquel entonces, en donde se le llamaba así a las personas torpes, despistadas y con poco sentido común, como en algunas ocasiones lo llegaba a ser nuestra querida Serena

-El cliente suele dar la mayor información posible: argumento, protagonistas, duración, si el material se va a recibir de una vez o por etapas, si va a venir un supervisor extranjero, el tipo de mezclas y si éstas se harán en el Estudio o fuera, si la versión doblada se tiene que entregar en negativo de sonido, en M.O. ( CD) o en H-8 (Cassette). Incluso ya se empieza a barajar el nombre del traductor, adaptador, director, así como de las voces para los protagonistas. Y todo eso ya contemplando que se tiene que hacer en un tiempo récord y sin esperar a nadie, en el momento en que empieza se debe de terminar rapido para después sacarlo en TV (Un ejemplo reciente Sailor Moon Crystal, en un principio Cristina Hernández, consiguió la mayoría de las voces originales de los personajes, entre ellos a Luna, Rocío Garcel en su doblaje al español latino, y ya era un hecho, sin embargo y para sorpresa al final la voz de Luna fue reemplazada por  Irene Jiménez, quien ha doblado a personajes como vilma de Scooby-doo o la princesa Luna de My Little Ponny en la temporada 2, ¿La razón?, pues porque Rocio Garcel tenía problemas en su garganta lo que le imposibilitaba a realizar la voz de Luna, forzarlo involucraba un daño, y al no poder esperarla porque el cliente ya requería el trabajo, se tuvo que cambiar.)

"El verdadero poder del doblaje es la de poder acortar  la brecha entre culturas y comunicar de la manera más eficiente aquel mensaje que pueda llegar de igual manera en todo el mundo"

No solo es traducir por traducir, y empezar los diálogos tal cual como el original, se trata de disminuir la brecha entre ambas culturas, y para hacerlo más atractivo, se debe dar una connotación con bromas y referencias propias del país consumidor, con palabras, frases, comida o cosas que conocen perfectamente en la región donde se va a emitir, para que no pierda esa esencia y esas bromas del guión original.

Inuyasha:

"En ningún momento pensé que Dragon Ball sería el fenómeno que es actualmente. Nunca se me pasó por la cabeza que nos iban a invitar a convenciones y a viajar por latinoamérica y que me reconocerían por el doblaje que hice"



Muchos piensan de igual forma, quién iba a pensar que con un doblaje bien hecho, se volviera memorable el personaje, y con ello, su voz, Paty Acevedo se convirtió en Serena Tsukino, Cristina Hernandez se convirtió en Sakura Kinomoto y en Rini Tsukino, Gerardo Reyero se convirtió en el intrépido caballero y principe azul Endimión (Su voz nos enamoró a todas, siendo el primer Crush para muchas), o Cristina Camargo siendo la voz de la poderosa Sailor de la destrucción, Sailor Saturn, aquella icónica voz de Sailor Urano hecha por Belinda Martinez, todos estos actores de doblaje, tienen algo en común, aseguran que la interpretación que realizaron a estos personajes, les cambió sus vidas para siempre.

Y es que hoy en día, los fans no solo se emocionan por el anime en sí, o la película o la serie, se enamoran y emocionan por la voz original y más aún por la voz de doblaje, y al ser estos últimos más cercanos, conviven con los mortales, que les piden autógraos, se sacan fotos con ellos, van a convenciones, se llenan los lugares, es increíble y mágico.

Aunque, también hay una gran parte que no son tan conocidos, una de las mayores dificultades que tiene el mundo del doblaje, es precisamente, salir del anonimato, dejar de ser voz adicional, para adueñarte de un personaje icónico (Qué a veces no siempre es el protagonista) el doblador tiene que hacerse conocido incluso dentro del nicho.

La prueba está que los que mencioné anteriormente llevan años en la industria del doblaje, y algunos jóvenes como Ana Lobo (voz base de Aome Higurashi) con 18 años de doblaje,  Leyla Rangel (La voz de Aome Higurashi) con 26 años de doblaje, pudieron ser reconocidas gracias a su estupendo trabajo, con los diversos personajes a los que le han prestado su voz, un proceso que, en muchas ocasiones pasa desapercibido, lo tomamos muy normal eso de que en automático esté en español o no le damos importancia porque, si llega aquí, tiene que llegar en español o subtitulado.

Otro gran problema que se llega a enfrentar, es la adición de dobladores "famosos", que más que actores de doblaje solo prestan su voz para un personaje de una película, la idea principal era para atraer al público y valoraran más el doblaje, como Tatiana para la voz de Megara, Eugenio derbez para la voz de Mushu en Mulán o burro de Sherk, Danna Paola en la voz de Rapunzel, Rycky Martin para Hércules, Shakira para la voz de Gazelle, Chayanne para Flynn Rider, que de cierta forma desplazan la atención del resto de los actores de doblaje, y no se llega a apreciar al resto, pues ellos solo prestan voces, no hay más que leer los diálogos y hacerse del personaje, mientras que el actor de doblaje, debe forzar su voz a cambios drásticos en el matiz vocal, para realizar voces de nilños, niñas, hombres, mujeres, animales, según sea el papel, por ejemplo Patty Acevedo, no es lo mismo aquellos agudos intensos de Serena Tsukino a ser la elegante y seria voz de la Reina o Neo Reina Serenity, o ser una voz más grave como con Chaoz de Dragon Ball, o Genaro Vásquez siendo la voz de Darien en la primera temporada, quien pensaría que también es la de Rafiki del Rey León o Mojo jojo o Kelvin, yo no me di cuenta hasta que pasaron el capítulo de Darien siendo niño, era la misma voz de Kelvin jaja.

Pero aún así, el doblaje es un nicho artístico muy fuerte que puede llegar a ser buen negocio dentro de la poderosa industria audiovisual.

Claro que, estoy hablando de la industria Mexicana porque es la que más conozco, sin embargo, no hay que menospreciar actores de doblaje franceses, chilenos, italianos, o incluso españoles, que también hacen un excelente trabajo, llevando el personaje y adaptándolo a la jerga de cada país, pero ¿Cómo comenzó está industria? Pues básicamente después de que las películas dejarán de ser mudas, los pioneros en dicha técnica fueron los estudios de animación de Walt Disney.


Fue en el año de 1938 que se estrenó el primer largometraje de la historia, doblado íntegramente al español, me refiero a la película de Blancanieves y los 7 enanos, la traducción de la cinta llevó poco más de 6 meses y no se mantuvieron copias ni registros de ese primer intento por parte de la industria de llegar a hispanoamérica con sus contenidos.


De hecho, estos primeros doblajes al español se realizaron en Estados Unidos, y contenía una extraña mezcla de acentos de las distintas regiones de América Latina y España, ya que el rol institucionalizado del actor de doblaje aún no existía Si nos damos de topes con una mala escena doblada, ahora imaginence a ese tiempo, escuchar un español agringo latino españolizado, y mandarlo al mundo mundial... hubiéramos dado el grito en el cielo con lo exigentes que somos jaja  Pues algo similar paso en aquella época, y fue esa característica el que casi hace fracasar la expansión internacional de Disney, ya que el público lo rechazo de forma contundente, esa combinación de voces era terrible, y el resultado perjudicaba el rendimiento comercial de los contenidos.

Pero son estos problemas los que traen después magníficas soluciones, y es que, en base a esta problemática, Disney decidió trasladar los estudios de doblaje a distintos países hispanoparlantes. Fue así como el primer gran estudio de doblaje en América Latina se abrió en Buenos Aires, Argentina, años después, en 1949 una delegación del estudio Argentino, se trasladó a México  para encontrar la voz de Cenicienta.


Para encontrar la voz, hicieron un concurso organizado por la emisora de radio XEW, y la producción terminó eligiendo a la actriz y cantante centroamericana Evangelina Elizondo.

La primera actriz:

El resultado fue tan bueno en calidad y taquilla, que a partir de ese entonces, México se consagró regionalmente como "La capital del doblaje" y bueno, la industria comenzaba a especializarse, y a mejorar. Otro gran impulso en la historia de los doblajes al español, fue dada en 1991, con el estreno de "La Bella y la Bestia", y aquí es aquí donde nace la rivalidad eterna, absurda y sin sentido.


Para está película, Disney tomó la decisión de producir dos doblajes diferentes, ¿Adivinan cuál? Pues uno sería para América Latina producido en México y otro, en España, así es, aquí es donde inicia el pleito casado con los doblajes Latinos y españoles, esta modalidad se mantiene hasta la fecha, y de hecho la industria del doblaje en el país Ibérico es casi omnipresente, en todo se desata el doblaje español.

Una de las razones es por el difícil acceso que tienen al contenido original, en comparación con países de Latinoamérica en donde puedes escoger la película en su idioma original subtitulado o no, en España es si o si en español, de ahí a que la industria sea más importante en el otro lado del continente, eso y... pues a pesar de tener un conocimiento mayor del ingles, por lo general es pésimo, por lo que no le hacen al feo que este doblado , que aquí en México tampoco hablamos ultra mega bien el inglés , pero somos más dadivosos en ese aspecto , y aunque no entendamos ni una palabra, ahí estamos sufriendo, viéndolo en el idioma original para ser "más inn"

Y así creció básicamente, hoy en día hay dobladores "oficiales" para los actores, en donde no se les puede poner otra voz que no sea la que todos conocemos, como en el caso de Drake Bell,
que tiene que ser doblado con la voz de Enzo Fortuny, porque ya nos acostumbramos a que esa es la voz de Drake, así como la de Inuyasha o Yukito.

"Admitamos que es un muñeco horrible que no da una buena impresión: Es amarillo, panzón, pelado, ojón. Es feo, desproporcionado. Recién después de un año de trabajo, me di cuenta de la clase de obra de arte que tenía en mis manos, y entendí, que hacer ese personaje, era una bendición"


Una voz que estuvo presente durante 15 temporadas en un transcurso de 15 años, emblemático y reconocible por donde lo escuches, sin embargo, fue despedido de la empresa mexicana para la cual trabajaba en el año 2015, el lado oscuro del doblaje, las malas pagas, despedidas y exceso de trabajo por tan poco más que la satisfacción y el aprecio del puúblico, aunque... también hay que reconocer, que no se vive de eso.

No es un problema único, de hecho, la crisis de la animación en Japón, se da exactamente por lo mismo, mucho trabajo, mucho esfuerzo, poca redituación, quien se lleva el crédito son las grandes casas animadoras, pero los animadores, y dobladores, nah...  que ellos trabajen mil horas por unos cuantos pesos.  La calidad y la cantidad, también depende de que tan cómodos se sientan los trabajadores para realizar monumental hazaña.

Y es que, como él lo dice "Todos daban por hecho que ese muñeco hablaba solo, tenía voz y vida propia" curiosamente en su caso, lo hicieron famoso después de que lo corrieran, porque, esa voz no pasa desapercibida, y fue cuando la gente comenzaba a preguntarse ¿Quién lo hacía antes? ¿Cómo es que lo hacía? incursionándose así en el mundo de las convenciones.

¿Cómo lo hace?:

Entonces... ¿Es una traición y blasfemia al original?
Bueno, si damos por hecho esa frase, entonces TODA traducción es una traición y blasfemia, ya que por más esmero que pongan los traductores, directores, actores, es imposible que sea igual al original, una vez más, una traducción literal no tendría sentido no se entendería, sin mencionar que hay errores de comprención y mucho más que te obligarán a usar una traducción cercana, como en los casos de las palabras en inglés que no hay traducción al español o viceversa.

Un ejemplo la palabra chile, aquí en latinoamérica está más claro que el agua que pueden referirse a dos cosas, al país Chile, o a aquel vegetal característico por su picor y que es ampliamente utilizada en la gastronomía para mil y un cosas, desde aquellos de sabor dulce, hasta el picor extremo que te hace un agujero en el estómago, pues bien, esa materia prima utilizada en la comida, en Estados Unidos no tienen ni la más minima idea de qué significa Chile, ya que en ese país, así como en muchas otras más, la palabra chile no existe, solo Chile, que hace alución al país. ¿Cómo traduces eso? Pues con un similar, pimientos, o salsa. pero ¿Cuál es el problema? Si eres fanático del chile, y pides un pimiento, te dan lo que para ellos conocen como pimiento, y si le dices salsa, te dan las típicas prefabricadas americanas ya sea en polvo o líquidas, industrializadas que no tienen nada que ver con tu concepto de salsa.

Pues algo tan simple como eso, ahora para el doblaje se complica más,  por la simple razón de que hay palabras muchas otras, en muchos otros idiomas que no tienen traducción como tal al español, o palabras al español que no se pueden traducir a otro idioma, ¿Han visto los refranes del español hablar o escribirlos en inglés? Hagan la prueba, y créanme, nada que ver uno con el otro.

Y por otro lado está, la antes mencionada rivalidad, hace tiempo yo siempre había defendido que el doblaje latino era el mejor, inigualable e insuperable... como se nota la inocencia de las cosas, de la joven mente inexperta ante el pensamiento crítico que era en aquel entonces, ahorita sigo diciendo que es una de las mejores  cuando se les deja trabajar bien, cuando les pagan lo que deberían pagarles, cuando les dan el tiempo necesario, y claro, cuando hay una muy buena dirección, y algo curioso que descubrí recientemente, cuando las empresas españolas no nos ganan en doblar el mismo producto.

Me explico, Sailor Moon estuvo a cargo bajo la empresa Entertrack S.A de C.V, con la dirección de Gloria Rocha, actriz de doblaje que le presta la voz a Miss peggy en los Muppets, a la reina Metallia en Sailor Moon, o Vilma en el Show de Scooby Doo. Pues bien, este doblaje se realizó en base a los masters originales de Japón, pero los guiones fueron traducidos de los guiones internacionales de TOEI Animation, junto con los conceptos, términos y nombres de pila del doblaje original al inglés, el reparto de los actores de doblaje contó con un plantel de más de 30 actores.  todo para cubrir la demanda de las voces de personajes principales, recurrentes, villanos y claro, las voces adicionales.

Promocionales de la serie:

Posteriormente Paty Acevedo continuó con la dirección, y aunque hubo errores de doblaje por culpa de los guiones, como por ejemplo en algunos capítulos a Serena le llaman Bunny o Usagi, la secundaría Azabu Juubam en principio se conocía como la Secundaria Cross Roads por el libreto americano, pero con todo, fue una muy buena producción,ya que Patricia Acevedo siempre intento apegarse al original, pese a las censuras y cambios en el diálogo.

Escuchar Sailor Moon es español (Castellano) es terrible,    por la traducción tan literal que hacen y los cambios de nombre que te lían cuando de repente te enteras que Vicky y Timmy son Michiru y Haruka, algo que no he llegado a comprender, es porqué el afán de separarse del español latino, en frases que van perfecto a ambos, en vez de decir soy una Sailor Moon, dicen Soy Guerrero Luna, o Por el poder del prisma Lunar ¡Transformación!, ellos dicen Prims de la Luna...dame el poder., yo no sé porqué lo hacen, si con el puro acento ya se hace notar cuando es latino a cuando es europeo, y esto realmente es un problema, porque el que sale perdiendo siempre es uno como consumidor final, ¿Por qué? Pues mientras a unos les entregan un excelente trabajo en el doblaje, a los otros les entregan pero todo lo contrario una terrible producción con voces sobrepuestas y frases que ni al caso. queriendo enterrar y olvidar aquella monstruosidad que viste.

¿No me creen? Como mencione, recién me di cuenta de eso, porque  comencé a ver anime en español, ya que hubo un tiempo en que el boom del anime en México decreció por culpa de las personas que se escandalizan por cualquier cosa, meh, de eso ya hablamos en la censura, el punto es que, había series que no pasaban por aquí y tenía que verlas o en japones subtitulado al español, o en español, y me di cuenta de las joyas escondidas que tiene el doblaje de aquel país Ibérico, sobre todo en la series de CLAMP, ver las guerreras mágicas, CLAMP escuela de detective en castellano, vaya que si mola    detective Connan, se escucha muy bien en castellano, aunque el latino no se queda atrás, Pre cure se oye muy bien, y Mermaid Melody una pasada, realmente se llega a apreciar el doblaje español que hicieron, nada que ver con el desastre de Sailor Moon.

Y entonces aparecio una serie que trascendió los países, tres casas de animación, en una nueva caricatura con un toque, magical girl, disney y héroes de acción como los de DC, Lady Bug, un concepto que atrajo la atención de todo el mundo, ¿Y que pasó en México?  Pues que se tardaron en doblarlo, siendo los primeros allá en España, cada capítulo nuevo que salía se transmitía a Francia, España, Estados Unidos, Japón, pero México, nada, de tal suerte que la tuve que ver en francés, increíble, me enamoré del doblaje, estupendo y maravilloso  posteriormente lo pude ver en español y era muy apegado al francés, me refiero a que la actitud de los personajes no cambiaban, y el tono de voz era muy parecido al que utilizaron en Francia,los diálogos eran buenos, ninguna rareza con la cual nos tiene acostumbrados España.

Y después llego el anhelado doblaje latino, que decepción, para los que no escucharon los otros doblajes, lo aceptaron de buena gana, pero para aquellos que escuchamos los otros, decimos, no, las voces muy infantiles, muy creídas, muy malvadas, Marinette la hacen ver muy sosa, parece una imitación de Aome Higurashi, Jessica Ángeles había hecho un gran trabajo doblando a la pricesa Zelda en The Legend of Zelda Breath of the Wild pero para Marinette, no queda, la voz de Adrien parece un niño mimado, que está bien que sea rico, pero en el original no actúa tan niño odioso, y en la versión latina así parece, y puedo seguir con eso, y no acabaría, sin mencionar que ahora la dirección desastrosa se lo llevo México, parecen voces sobre puestas, y la transformación da risa, originalmente dice Tikki puntos fuera, y para México, le ponen Tikki motas    yo no se ustedes, pero me suena más a como España lo haría, y eso de motas, se me viene a la mente otra cosa , pudiendo usar Tikki dame el poder, o Tikki transformación
le ponen Tikki motas y yo espero haber cuando se avienta el viaje psicotrópico jajaja,    y si te pones a revisar más doblaje de una misma serie, película o anime, del latino al español, te das cuenta que uno siempre sale muy bien, mientras que el otro sale muy mal, por esa extraña competencia de negarse a usar las mismas frases para que no parezcan "iguales", cuando hay otras formas de distinguirse.

Diferencias de doblaje:

“Las voces las conservo en mi recuerdo. Es un gusto haberme dedicado a una actividad sin tanta petulancia en cuanto a la actuación, pues resulta más trascendente y con mayor memoria. Me gustaría que dejaran atrás la idea que las caricaturas no tienen valor artístico, porque la gente recuerda más la voz de un personaje que la de Ignacio López Tarso”



Ya llegando a este punto, y teniendo en cuenta todas las variantes que hay detrás de un doblaje, para que sea bien hecho, pues nos hacemos la pregunta obligada, ¿Cómo se hace?

Pues este proceso inicia de la siguiente manera:

Traducción.

Se suministra el guión original a un traductor, que traduce todo el texto al idioma deseado. Hay ocasiones, sobre todo en capítulos de series de televisión, que no se dispone del guión escrito, por lo que el traductor tiene que obtener el guión y traducirlo directamente de la pantalla. Esta labor se suele pagar por "rollos" o fragmentos de diez minutos. El concepto de "rollo" proviene de cuando las bobinas de celuloide tenían una extensión equivalente a 10 minutos. Una vez traducido el texto, se pasará a la fase de ajuste.

“El secreto es que nosotros no hacemos doblaje, hacemos películas y transformamos estas películas a la cultura de cada país, de cada región del mundo manteniendo siempre la esencia del personaje y del contenido de las películas”


Adaptación de diálogos.

Cuando ya se tiene el texto traducido hay que ajustarlo, suele ser el director de doblaje que después del visionado completo de la película, realiza esta tarea. Ajustar o "adaptar" consiste en realizar pequeños cambios de palabras, ampliar o reducir el texto para pueda "encajar" en la boca del personaje.

Esta labor resulta muy compleja y si se hace mal, crea muchísimos problemas al actor de doblaje que luego tiene que interpretar el papel. En muchos casos se re-ajusta el texto en la misma sala de doblaje para lograr una sincronía perfecta.

En el proceso de ajuste también se decide cómo hay que adaptar ciertos tipos de bromas o frases hechas para que el público pueda percibir el sentido exacto de la broma o frase hecha original. No es de extrañar entonces, que en algunas ocasiones veamos al actor protagonista de una sitcom norteamericana cantando el "Porrompompero" de Manolo Escobar, dado que en la versión original está cantando una canción típica popular de su país que aquí se desconoce.

Y sip, los temas de Opening y Ending también se adaptan y se reajustan, para que se logre una letra cómoda, al ritmo de la canción y que se pueda cantar, como en el caso del primer Opening de Dragon Ball Z interpretada por Ricardo Silva y adaptado por Loretta Santini, de lo contrario, te faltaría tiempo para cantarla, y las letras te sobrarían en la estrofa. y así con muchos otros más.

Takeo

Y no, no estamos hablando de empezar a comer tacos   , esto se refiere a que, cuando el texto ya está adaptado, se procede al corte en takes (o takeo). Esta tarea la suele desempeñar el ayudante de dirección y consiste en fragmentar el texto en tramos de un tamaño definido por convenio (en líneas de texto).


En el doblaje se considera Take o fragmento a una parte extraída del guión literario, para que sea entregado al actor de doblaje y lo pueda memorizar, y entienda a su vez el contexto en el que está por actuar, así, si debe estar gritando porque una araña lo está atacando, no va a dar un grito para llamar a alguien por ejemplo.

Así pues, el take, es la unidad resultante del pautado del guión, una distribución reglamentaria de líneas, generalmente tiene 8 líneas en algunos casos solo 5, y esa línea tiene 60 espacios, todo para que el actor se encargue de "loopear" en video dicho take, repitiendo una y otra vez aquel pedacito de video o escena.

la duración de cada Take es de 40 segundos, y su principal función es en mostar las anotaciones de ciertas palabras complicadas o difíciles de encajar en la escena, así como señalar la correcta pronunciación de las palabras.

Estos Take tambien funcionan para las censuras,  dejando en mudo aquellos espacios, y para realizar el loop o repetición, se unen los fragmentos, también funcionan para entender las pronunciaciones en otro idioma, ya que, al contrario del español, las palabras no siempre se dicen en el mismo orden.

            Ejemplo:

          Well, I´m a dangeorus driver.
           Soy un conductor peligroso.

Como se puede notar, no terminan con la misma palabra, y son estas las ocaciones en que el actor de doblaje, debe ser capaz de ordenar y encajar la frase con su voz y la boca del personaje, para eso utiliza las marcas en el take que sugiere los tiempos de pausa.

Una vez se tienen los takes definidos, se puede organizar el proceso de convocatorias necesarias para doblar el film, dado que sabemos exactamente en cuantos takes interviene un determinado actor.

El take también sirve para saber cuanto va a cobrar el actor de doblaje por su intervención en la película, ya que se paga un tanto por convocatoria y otro tanto por cada take en el que se interviene.

En el proceso de takeo es de vital importancia apuntar el tiempo de entrada, es decir, en qué momento de la película tiene lugar ese take, para que posteriormente, el técnico lo pueda colocar con rapidez en pantalla para proceder a su doblaje.

Como curiosidad, hay que decir que cobra lo mismo un actor que tiene un largo diálogo dentro de un take, que otro actor que dentro del mismo take solo dice un palabra o un suspiro.

“El doblaje es una posproducción que se realiza al terminar una película y el mejor es aquel que no se nota, el que ve la gente en pantalla y daría por hecho que es su idioma original”


Reparto de voces (Casting)

El reparto consiste en decidir qué voces van a ser las encargadas de realizar el doblaje de la película o serie. Esta tarea la lleva a cabo el director de doblaje y para la elección se intenta ceñir (teóricamente) a las voces originales. Para ello dispone de completos castings de voces que le permiten elegir las más adecuadas según su criterio.

Al omento de doblar personajes "ficticios" el actor debe partir desde cero en el caso de los Seiyu, deben imaginarse todo, y los actores de doblaje deben emular esa sensación cercana a la voz original, el tono, la risa, la manera en la que hablan, la manera en la que se comportan, tienen que ver la personalidad del personaje a la que van a prestar su voz, para después, darle esa personalidad con su voz, para este caso, a los actores de voz se les presta el guión literario como los Storyboards (los guiones gráficos) que serán sus referencias para interpretar al personaje utilizando los lip sinc o la sincronía de los labios, que limitan un poco la acción de actuar, pero son muy necesarios para que se adapte a la animación ya diseñada, y que no se vea un desfase de la voz con lo el movimiento del personaje, así se establece los tiempos de expresión de los personajes.

Y bueno, aquí nos damos cuenta que no solo es llegar y empezar a hablar porque viste el trabajo de los dobladores y ya quieres ser uno.

El interés del doblaje llego en los años 90, precisamente con el boom de las series animadas como Sailor Moon, los caballeros del zodiaco, los Simpsom, Sakura Card Captor y demás, actualmente en México se tiene el 65% del mercado de los 450 millones de consumidores de doblaje que hay en Latinoamérica, ¿Se necesitan actores de doblaje? Por supuesto, los que hay ahorita las voces ya les están pidiendo un respiro, pero, se necesitan gente preparada, pues esto, es una especialidad.

Muchas personas se acercan al doblaje porque les sale la voz de Homero Simpson o del Oso Yogui, pero poco a poco descubren que no es tan sencillo y hay un filtro que frena a la gente que no llega lista, es necesario que la gente preparada en actuación se interese por el doblaje para empezar a llenar los espacios que quedan, entonces aquí entramos en otra cuestión, no es lo mismo ser imitador de voz, a actor de doblaje, se requiere de la carrera de actuación para especializarte en el actor de doblaje.  

Cuando un director ya tiene experiencia, conoce a la perfección a todos los actores de doblaje y esto le permite convocarles directamente, sin la necesidad de recurrir a los castings. La mayoría de veces se intenta que los actores de doblaje sean los "habituales" de los actores de pantalla, aunque esto a veces no es posible por varias razones (el actor no está disponible, el doblaje se realiza en otra ciudad diferente a la que el actor trabaja, coinciden dos actores de pantalla "habituales" del mismo actor de doblaje, etc. Un ejemplo, Sailor Moon crystal)

A pesar de todo ello, es el cliente final (productora, distribuidora) quien decide el reparto final de una película y en algunas ocasiones han elegido voces mucho más graves y bonitas que las originales para que el producto final tenga una mayor aceptación en nuestro mercado como el caso de Goku en español latino suena mucho mejor que el japonés.


Grabación de las voces en sala.
 
Una tarea titánica en verdad, una vez todo preparado, ya se puede entrar en la sala y proceder a realizar el doblaje. Es conveniente que esté todo listo para ahorrar costes innecesarios al estudio.


En esta fase intervienen el director de doblaje, el técnico de sala y los actores. Los actores van a intervenir juntos o por separado (doblaje en banda aparte) en todos los takes que les han asignado. Van a intentar imitar al máximo el original y darle una interpretación creíble a su voz para que el producto final tenga la máxima calidad posible.

El director de doblaje es el responsable de todo el proceso, por lo que dará las instrucciones pertinentes a los actores para que realicen un buen trabajo. Los actores tiene que sincronizar perfectamente los diálogos, es decir, conseguir que el texto del take "encaje" en la boca del actor. Actualmente, con la grabación digital se pueden corregir ciertos errores de sincronía, aunque los actores consagrados no tienen demasiado problema para lograr una sincronización exacta sin tener que recurrir a ese tipo de "trucos".

También tienen que imitar los "gestos" o sonidos expresados por el actor (gritos, risas, lloros, etc.), aunque en algunos casos se prefiere no doblarlos y dejar la versión original.
Por último, les es imprescindible memorizar el take antes de la grabación, por lo que se suele ensayar un par o tres de veces hasta que se procede a la grabación. Una vez está el producto doblado, se pasa a la fase de mezclas (con el resto del Soundtrack o banda sonora) y una vez se hacen las copias pertinentes ya esta listo para su comercialización.

Un día de trabajo:

 Dirección de sala

El director de doblaje es el encargado de llevar a buen puerto el registro de diálogos en la sala de grabación. Él indica a los actores que están en el atril todo lo que tienen que hacer, lo que han de decir y cómo deben decirlo, los tonos, las inflexiones, los matices de voz, si deben adelantar o atrasar alguna frase, donde deben hacer una pausa, respetar las labiales, se ocupa de que la sincronía e interpretación sean perfectas.

La dirección lo es todo:

Terminada la grabación de diálogos en sala y revisadas las correspondientes B.I. (Bandas Internacionales o M/E tracks) para asegurarse de que las músicas y efectos están correctos, todo queda listo para la mezcla. La labor del mezclador consiste en ir engarzando los diálogos con las músicas y efectos. El mezclador comienza su trabajo viendo, en versión original, la imagen de la bobina a mezclar para percatarse de todos los niveles y detalles de la banda sonora. Una vez visionada la imagen, la rebobina y vuelve a proyectarla, pero dejándola muda, cambia el sonido original por la mezcla de la versión doblada que en ese momento empieza a preparar, y de este modo se inicia la mezcla.

Control en el doblaje

Terminada la mezcla, se procede a pasar el control de doblaje en "interlock". Se denomina "interlock" a toda proyección donde la imagen y el sonido se proyectan por separado; no obstante, el espectador ve la proyección como si se tratara de una copia standard con su sonido incorporado e ignora que la imagen y el sonido llegan hasta la pantalla por caminos distintos.
En un "interlock" la imagen se proyecta muda y se le aplica o superpone un sonido sincrónico. En un control de doblaje, lógicamente, el sonido que se utiliza es el resultante de la mezcla del doblaje que se acaba de realizar.

Para el control de doblaje el estudio avisa al cliente, generalmente suele venir bastante gente. Proyectan la película con el sonido de la versión doblada y van tomando nota de los fallos que hubiere. A estos fallos, en el argot de doblaje, se les llama "retakes".

Una vez terminado el control de doblaje, los "retakes" se vuelven a grabar, si es que son de diálogo, y se incorporan a la mezcla. En el caso de que sean sólo de mezcla, se limitan a corregirlos en ésta.

Y así se vuelve un arte:

“El tener una buena voz te ayuda a ser actor de doblaje, pero no lo es todo, ni será suficiente, no serviría de nada tener esta voz si no pudieras expresar emociones que eso es lo que te da la actuación, normalmente el actor que no está familiarizado con el doblaje puede perder emociones al estar pendiente de la lectura o de ver la película”


A este punto ya puedes empezar a formar tu propia opinión y criterio, de si el doblaje es un arte o no, y es que es el mismo trabajo multidisciplinario el que hace que llegue a la pantalla una serie que te envuelva con su historia, y desees formar parte de ella. La concentración es algo muy importante para un actor de doblaje, contrario a  lo que se piensa, ellos al momento de realizar el doblaje no miran siempre la pantalla, tienen que estar escuchando mientras leen el guión, las pausas que hacen, los debe marcar en el papel,  debe cuadrar justo en el momento, las palabras labiales o muy reconocibles,  buscar referencias visuales, aquellas en donde existen marcas o pautas que te indican cuando un personaje está a punto de hablar, anticiparse a ello.

En el ensayo o ajuste el actor dobla a su personaje por encima de la voz original, para ver si sus pausas son las correctas, y si es capaz de meter en boca su texto, ayuda también para comenzar a darle interpretación al personaje la coordinación es elemental, sobre todo si al actor le toca realizar su trabajo en conjunto con otros actores, coordinándose para acercarse y alejarse del micrófono con el más estricto silencio, pues cualquier cosa, incluso mover el pelo, genera ruido que capta el micrófono, siendo perdida de tiempo y dinero. aunque claro, también tienen que ser hábiles para desenvolverse y usar su cuerpo para una mejor entonación, expresión o energía en la voz, no siempre se puede estar tieso.

Y en Sailor Moon, en los 90, la forma de doblar era diferente.

Ser director de animación tiene su ventaja:

"El doblaje es una técnica sui generis de la actuación, ya que el actor tiene que circunscribirse imitar matices e inflexiones de un personaje en pantalla, a los movimientos de labios, a un tiempo de emisión de habla, a ver pantalla y texto con gran habilidad. En fin tiene lo suyo."

El tiempo, principal enemigo:

Cuando las voces no son las mismas, generalmente es porque no se pudieron conseguir los mismos actores de doblaje, y es que, realmente el tiempo es un factor en contra, sobre todo en la industria del anime, porque... todos sabemos lo inmortales que llegan a ser, no por nada Ash de Pokemon cuantas temporadas no lleva y continua con los mismos 10 años de siempre   o Sailor Moon en los 90, hasta la fecha sacar Sailor Moon Crystal, las chicas no envejecieron, de hecho hubo un retroceso para contar de nuevo la historia con el enfoque original al manga, pero, los actores de doblaje son humanos y tan mortales como cualquiera de nosotros, el tiempo pasa, y las voces cambian, ya no están, o no se pudieron conseguir para el tiempo en que se requería el trabajo.

El doblaje en el país lleva mucho tiempo, y se puede considerar una de las mejores, el problema es, que hay compañías que en vez de darle todo lo necesario al actor, hagan lo contrario con falta de pasión, ética y profesionalismo.

A veces no es cosa del actor:

Y es que la realidad es, que aún con lo redituable que es trabajar en el doblaje, los beneficiados son pocos, generalmente las compañías de doblaje y no los trabajadores, la falta de presupuesto por parte de las productoras, y no solo en México, sino también en Japón con su crisis de animación, han provocado una crisis en la industria del doblaje, por ejemplo, en el caso de Sailor Moon Crystal, cuando dinero y tiempo no se perdió al intentar dale gusto a todos, prácticamente rehicieron el anime 3 veces, con tres directores diferentes, animaciones diferentes, a tal punto de que ahora quieren terminarla con películas y no con otra temporada, ¿La razón? Costos, el precio fue el de tres animes distintos y nuevos en uno mismo, eso hizo que se vendieran los derechos para doblarlos de manera rápida, y con un trabajo igual de apresurado para que pudiera salir en este lado del continente y poder recuperar algo de lo que perdieron por esa fatal decisión, esto ocasiona que por ejemplo, no esperaran a Rocio Rangel para la voz de Luna, no pudieran llegarle al precio a  Belinda Martínez, la voz de Haruka en los años 90, y aunque muchos actores afirman que siguen en el negocio por la pasión y el asombro de ver la cantidad de fans que hay por el simple hecho de prestar su voz, pues la realidad es que de gratis nadie puede vivir, y todos salimos perdiendo, por algo que el consumidor final pudo haber impedido en gran medida.

La otra claro, es la dirección y quien es el que da la última palabra, a veces por mucho apoyo del consumidor final, toca personas muy reacias que lo único que desean es que el producto salga y venda, y entre más rápido mejor y a menor costo, esos bajos presupuestos hacen que los estudios de doblaje se vean forzados a contratar actores nuevos con  menos preparación y en ocasiones, hasta sin bases sólidas de la actuación.

Aún así, con sus pro y contras, esto seguirá, y los actores de doblaje al final del día son los que le ponen la cintilla de regalo para que el público pueda disfrutar de una gran serie, película o caricatura, pues así como ellos dicen, algún día morirán, pero quedarán inmortalizados en aquel personaje tan emblemático, al que tuvieron el honor de prestar su voz.